François Gagné, who labelled himself GAGNE as an artist, was born in Montreal, Canada, and holds degrees in architecture from the University of Montreal and Columbia University in New York City.
GAGNE started his professional career as an assistant to Melvin Charney, artist and architect, before working several years for the City of Montreal, where he constituted and coordinated a small urban design unit (AADU – l’Atelier d’architecture et de design urbain), aiming to implement a creative culture in a normative, bureaucratic environment.
In parallel, he pursued a career as an independent thinker and creator and, notably, represented his country at the Venice Biennale of Architecture in 1997, amongst the winners of “Reciprocity”, a national competition for the concept of a Canadian Pavilion of Architecture.
Statement
GAGNE’S ONE-EYED VISION: AN ARTIST SHOWING THE UNSEEN
BY: JOSEPH ARMAND, WITH THE COLLABORATION OF CECILE BAIRD
JULY 17, 2022
(IDENTIFIED FIGURES CAN BE SEEN UNDER THE FILTER "STATEMENT" OF THE ARTWORKS)
GAGNE’s training and career as an urban designer drew his attention to the real, concrete world we inhabit and affect. “The actual, physical world is worth more than its virtual counterpart; people should care more about what surrounds them, and the marks they leave behind, than about the faces they make and post online”. His current work, as a photographer – or as an image-carrier, as he prefers to word it – avoids sophisticated digital programs and applications. “Art is for everyone and should be made by everyone. Cavemen used rocks, chalk, and blood to create an artistic language and communicate their ideas. Garage and punk bands made noise before music, with basically no training, no skills, and certainly no pricey instruments. I try to work the same way, with minimal tools and low technical contingencies. I value ideas, not some kind of common agreement of what a so-called professional photograph or image should be”.
For the past 10 years, GAGNE only used his cell phone camera and its basic settings to capture and render life. “Besides its convenience – I always have it with me – the lens of my phone frames and makes me see things I’d otherwise not even notice, and makes me render and communicate them differently, in a very personal way. This banal, common device made me see the world again. There is no need for exclusive, high-end, sophisticated equipment to do so. Au contraire, their complexity blocks your spontaneity, distracts you from your real goal, the image, and traps you in a never-ending journey understanding and optimising their full potentialities, thus substituting technology to the real subject of the work”. For GAGNE, his usage of the sole cell phone that most people carry in their pockets is a statement. “Everyone uses a camera and could look through it to discover the world and make art. But unfortunately, very few of us believe in ourselves and dare to assume our artistic abilities, and sensitivity, and even fewer value art and creation. I’d be glad if my work, as a foot note, acted as a reminder that we can do more than ego-portraits. We can do better with what we have in hand”.
“Virtual reality, Metaverse and other ways to escape reality couldn’t interest me less. My concerns are for the real, concrete, endangered, molested world we live in. The beauty, the richness, the frailness, the multiple layers of meaning, and sometimes the double nature of what surrounds us, are rich enough, deep enough, and strong enough to deserve a more careful observation and a more creative, intriguing, appealing, and rewarding representation”.
Looking around himself, GAGNE pays attention to lines, shapes, colours, and textures. Reframing, attenuating or accentuating contrasts and definition, fading or saturating the colours is his way of sharing his perception of things. “I work with photography, but I do not make photographs. I make images that do not correspond to a specific medium or comply to predefined rules. I do not aim to reproduce reality in a more realistic way than what people can already see, I make images that show what we do not necessarily see at first glance but is secretly imbedded in what is there: imaginary landscapes, dreamlike characters, or simply pure abstraction found in otherwise very much recognizable objects or places. I like to unveil the unseen. I find it instructive to blur the notion of scale and amusing to make people dubitative about the actual size of the object or place shown in the image. I naturally tend to flatten the third dimension and present things as if they were originally drawn on a single plane, already conceived as a tableau, a painting. That’s the way I see the world anyway, being blind in one eye. I am the viewer of a movie, not an actor in it”.
This summer, the “VISIONS” exhibition in Venice gave GAGNE the opportunity to present a series of images of snow in which he reveals different scenes: a couple, an assembly, ghosts, or fossils. Another viewer certainly could detect something else in them, or even just shapes and colors, but the darker, bolder tone and grain of the images make it hard to perceive a bucolic winter scenery. (fig. 1 to 3)
Fig. 1 COUPLE (2022)
Fig 2 GHOSTS II (2022)
Fig. 3 FOSSILS (2022)
“I was always attracted by what surrounded me, and neurotic about beauty and death. As a kid, I would see cities and continents in a square meter of rocks, water, smaller insects. and fish along the St. Lawrence River’s edge and wait for the tide to wash everything away. Later in my teens, I would wander in shopping malls narcissistically taking portraits of myself in photo booths, documenting my feature changes, hoping I’d be as handsome as my male idols, James Dean, Paul Newman, and Jean-Paul Belmondo. (fig. 4, 5). At night, I’d meticulously draw academic self-portraits (fig. 6) – what can you do in a sleeping suburb, besides waiting for flying saucers to land, drawing, or playing with yourself? - before getting hit by the pop, punk, and street art movements which led me to depict the world in a minimal, essential, raw, two-dimensional, and somehow brutalist fashion (fig. 7)”. For GAGNE, those early experiments are not so distant from his more recent photographic works in which Cubism or Abstract Expressionism traits still lie (fig. 8, 9).
Fig. 4 PHOTO BOOTH SESSION no. 15, 1981
Fig. 5 ACADEMIC SELF-PORTRAIT NO. 2, 1981
Fig. 6 2-DIMENSIONAL TRIO, 1982
Fig. 7 CUBIST ROCK COMPOSITION, 2020
Fig. 8 EARTH’S CREATION, 2017
Fig. 9 BLACK AND BLUE SNOW, 2022
Nonetheless, his interest for recognizable figures, real or perceived, reworked to strengthen their emotional load, still haunts his practice, and translates into critical comments on the beauty of our environment (fig 10, 11) and the stress we impose on it (fig 12, 13). Ravishing landscapes or scenes then become disturbing or scary tableaux.
Fig. 10 FROZEN WAVES, 2022
Fig. 11 IMAGINARY LANDSCAPE NO. 4, “THE BAY”, 2022
Fig. 12 ASHES, 2021
Fig. 13 SEA OF OIL, 2020
Besides the “VISIONS” show, GAGNE’s summer of 2022 was very busy, with three appearances at the Glasgow Gallery of Photography (the Black and White, Winter Postcards, and Seascapes exhibitions) and a solo exhibition at the AccorsiArte Studio in Venice, from August 17 to 26. “I still work with nature, but again, as ever, with its ambiguity, its scale, its colors, and lines (fig. 14-16)”, says GAGNE.
Fig. 14 « CECI N’EST PAS UN ENTREJAMBE » (THIS IS NOT A CROTCH), 2022
Fig. 15 RIVER BANK, 2022
Fig 16 ALPES No. 4, 2022
“On the other hand, I am working on an exhibition project reminiscent of my teens’ obsessions: a series of figurative ‘still life’ portraits, optimistic play with colors and artifice as an homage to Andy Warhol’s artistic immortality (fig 17), juxtaposed to the fatality of life shown in larger, darker close-ups of an actual human face from the ages of 6 months to 60 years, reintroducing the photo booth series, but from a much more pessimistic and dramatic perspective (fig. 18-20)”.
Fig. 17 IMMORTALITY OF AN ARTIST, 1 to 30, 2021-2022
Fig. 18 - 20 LIFE (No. 1, 6, and 12), 2022
GAGNE’s work thus goes back and forth from dark to bright, monochrome to color, abstraction to figuration, and seduction to repulsion, in concordance with his view on things. “To me, there is no such opposites as microscopic and infinite, beginning and end, straight and curved, joy and pain, past and future, Big Bang and black holes. Everything lies in everything, and I don’t discriminate between forms of art either. I like the avant-garde, the ephemeral energy of the youth that is permanently, at every moment in history, rejuvenated. I relate very much to experimental, pop music. At this moment, all over the world, there are artists like Leenalchi, Yaegi, M I K E Y. Woodbridge, and Salut C’est Cool, who do not only musically present a refreshing, critical, personal, assumed view on our world, but create art with no limitations, no boundaries. I’d love a collaboration with such free-spirited minds some day”.
JOURNAL DE BORD
9 décembre 2022
Je n'ai pas d'intention préalable, de volonté particulière, d'idée préconçue de ce que sera l'image que je "fabriquerai" (ou transmettrai, communiquerai). Je découvre des sujets dans le monde qui m'entoure, je les scrute et je vous en présente les traits que j'aime tels que je les perçois, tels qu'ils se présentent à moi.
La matière et sa représentation varient selon le lieu, l'heure, l'humeur, la concentration, les saisons.
Ici, "Saison Automne/Hiver" no 2.
9 décembre 2022
Je perçois la réalité comme un tableau, et je conçois la photographie comme une peinture.
Le fait que je ne vois que d'un oeil prédispose à représenter en deux dimensions le monde tridimensionnel qui nous entoure et à imaginer un univers en trois dimensions sur une surface plane dans la réalité. Les images que je produis oscillent entre ces deux mondes
Ici, "Voûte étoilée".
27 novembre 2022
PHOTOMATISME
Dans cette démarche, la photo n’a pas d’intention précise, d’obligation de résultat, d’objectif à atteindre, de sujet à dupliquer. La photo est l’intention, et la démarche, le résultat. La photo ne cherche pas à montrer quoi que ce soit, n’est au service de rien, sauf d’elle-même. Elle se montre elle-même, se construit dans ses replis, dans ses pixels, puisqu’il faut bien admettre qu’il s’agit d’une illusion, d’un objet virtuel, d’un numéro.
Son instrument, c’est le photographe, l’artiste, l’œil, et la photographie n’est plus l’outil du photographe, elle ne se soumet plus à ses fins, mais le soumet aux siennes. L’œil ne dicte plus à la photo ce qu’elle doit être, ce qu’elle sera. C’est la photo elle-même, son substrat, qui guide l’œil vers ce qu’elle cherche à être, à nous montrer.
L’oeil s’y perd comme l’humain en forêt. Et chaque humain, chaque œil, prend une direction différente, arrive à une destination unique, imprévue, inconnue, selon ce qu’il en perçoit, ce qu’il en comprend. Ce que la forêt fait émerger, c’est la sensibilité, l’instinct et les automatismes propres à chacun.
Le parcours automatiste en photographie, la photographie automatiste, le « photomatisme » (ou « phautomatisme »), pousse l’artiste dans ses derniers retranchements, révèle ce qu’il a de plus intime, le guide en des lieux qu’il ne connaît pas lui-même, lui fait découvrir et dévoiler des images, des scènes, des personnages qu’il ne soupçonne même pas, du meilleur et du pire de soi.
Cette expression spontanée et involontaire, cette exploration libre en terre inconnue, ce travail qui n’a pas de fin, tout comme l’analyse rationnelle que l’on peut en faire a posteriori, relève de la connaissance de soi, se rapproche de la psychothérapie, de l’Art thérapie, de l’« art des fous », ou plutôt de l’Art Brut tel que l’a conçu Jean Dubuffet.
Chaque image que je vous présente ici – et, même, toute œuvre artistique, même les plus conscientes, les plus volontaires, les plus délibérées – et même, tout geste humain – est donc, en définitive, un autoportrait, une partie de soi révélée à autrui.
Ici : AUTOPORTRAIT (18 février 2022)
26 novembre 2022
EXTRAIRE, SOUSTRAIRE, ABSTRAIRE
Je m'engage dans une voie où la photographie elle-même devient son propre sujet, une page blanche, un territoire neuf à explorer.
En général, le sujet de la photo, l’objet photographié, se présente à nous comme s’il était là. C’est lui que l’on regarde, que l’on apprécie, pas la photographie elle-même (outre sa technicité). Il occulte la photo, qui s’efface derrière lui, invisible, asservie. N’est-ce pas -là le propre d’une bonne, et belle, photographie ?
On me pose souvent la question : qu’est-ce que c’est ? Il faut réaliser qu’on ne le saura jamais pour enfin s’intéresser à la photographie elle-même, à sa substance, à sa fabrication : comment tu fais ?
On ne regarde que le sujet, on ne voit que lui. Et pourtant, pourtant, la photographie contient une quantité phénoménale d’informations, un potentiel infini. Plus l’objet d’origine disparaît, plus la photographie l’efface, l’abime, s’en distancie, plus elle prend forme, plus elle existe, plus elle apparaît.
Je sélectionne, j’extraie, je soustrais, j’abstrais. Le sujet d’origine disparaît graduellement, cède la place à ses lignes, ses textures et ses couleurs, qui prennent de plus en plus d’importance, s’y substituent et construisent une nouvelle image. D’abord un cadavre, un squelette, une ruine, une simple essence. Une abstraction que l’on creuse et qui peut révéler de nouvelles figures, de nouveaux territoires enfouis, contenus mais dissimulés derrière le sujet d’origine, enfin dissous, balayé, éradiqué par la photographie qui s’en émancipe et qui de ce fait prend forme, naît en se libérant de ses entraves, de son asservissement d’origine, et qui existe enfin, comme mode d’expression autonome, proposition nouvelle et originale, idée nouvelle, nouvelle figuration, œuvre unique, assumée, aboutie.
Je ne crée rien, j’enlève, je réduis et je révèle, et l’image finale, la plus pure, la photo parfaite pourrait être celle qui s’éloignerait le plus du plus-que-parfait, et qui se rapprocherait le plus du presque rien, du moins que rien, du simple carré blanc.
25 novembre 2022
PETITS MONSTRES
Se pourrait-il que la photographie soit le dernier bastion du conservatisme en art, alourdie par le poids de ses conventions, pétrifiée dans sa technique? Le dernier des arts à ne s'être encore révolté contre lui-même et libéré de ses entraves originelles, la représentation lisse, convenue et mimétique du sujet?
Comme eût dit Réjean Ducharme : "Va savoir"...
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